Palabra y tono en las brujas de Salem

“El teatro es la instancia en el que el arte entra en el más intenso contacto con la sociedad…El teatro es en verdad el corazón de la cultura de una sociedad, la medida de su vitalidad”.

Las brujas de Salem desde de su inicio te envuelve en una seductora atmósfera de misterio y terror, con un escenario lúgubre inspirado en el siglo XVI, donde la persecución religiosa era un factor importante en la sociedad. Para interpretar esta obra hay que estudiar muy bien este contexto, porque

se debe representar con tal realismo y naturalidad, que los actores que están juzgando a las “brujas” deben sentir el temor a Dios en carne propia, aprensión a lo desconocido y temor ante aquellos que se sospeche que practiquen la brujería. A su vez, las inculpadas son quienes mantienen la duda como principal característica de toda la ejecución, creando en el espectador la interrogante de: ¿Serán o no serán brujas? Puesto que “El teatro se plantea como acción. No hay una pasividad ni siquiera del público. El feed-back es inmediato”. Se pretende infundir esa duda en los espectadores, y maravillarlos con el terror que la pieza en ejecución manifiesta, utilizando una propuesta visual que, dentro de los parámetros, nos permita recrear un espacio que haga referencia a lo que fue dicha época, puesto que, desde Meiningen, se dio comienzo a la valoración tanto el espacio en que se desarrolla la escena como la pronunciación de cada palabra en el diálogo de los personajes.

La palabra es esencial en el teatro, debido a que este está lleno de muchos diálogos; pero la palabra no está aislada por sí sola y requiere de la importancia de lo que se diga y cómo se haga, allí se presenta el tono, la entonación para colocarle, matiz, colo a lo que se dice; y de allí viene la escogencia del tono melodramático en la totalidad de nuestra adaptación de la obra: Las brujas de Salem, viene dado a que en el melodrama está presente la tragedia, piedad y terror en los actos, se presentan emociones políticas, sociales, religiosas que va mucho con la escena que desarrollaremos; lo que no nos ofrecía el tono de farsa que se da más que todo en comedia, acompañado de ironía, sátira, humorismo y humor negro. Aunque hay ciertos fragmentos de Abigail durante el juicio en los que la ironía sí puede ser aplicada por el cinismo que caracteriza a este personaje.

Por ende el tono que usaremos representa una herramienta importante para el grupo,ya que, más allá de lo original que pueda ser la escenografía, la palabra y el tono melodramático que se le dará a la obra, son los pilares que sostendrán la esencia y la crítica social que Athur Miller deseaba transmitir cuando escribió esta aclamada pieza.

Crono, el teatro griego y la sociedad de Salem

Según la mitología griega, Crono fue el padre de los dioses, quien se comía a sus hijos para evitar que alguno de ellos lo destronara.

El teatro griego explicaba este mito como un destino repetitivo, ya que así como Zeus logra destituir a Crono, este último lo logra con su padre, Urano. Es el eterno ciclo en el que el padre se come a los hijos, y los hijos al padre, donde todo banquete es el cierre y la unión en el entorno familiar, donde para cualquier personaje es irreconocible el camino correcto sin la intervención de los dioses.

Para el renacimiento tales cuestiones no cambian demasiado, la eterna comunión se mantiene en el cristianismo, al igual que la incapacidad de los cristianos en tomar una decisión correcta sin la intervención divina, como lo dice la biblia y se interpreta en el teatro renacentista: la intervención de el Espíritu Santo en la concepción de Jesús, la intervención de los ángeles con sus mensajes que anticipan y preparan el terreno para la llegada de niño, el ángel que interviene ante la inseguridad de San José sobre la procedencia del niño y la concepción de María, entre otras cosas. El eterno "ser o no ser" al que apelaba el personaje Hamlet en su monólogo. La interminable incapacidad del hombre en la que un ser superior, decide.

Irónico es, que a pesar del cambio de pensamiento que se produjo en el renacimiento, sobre el hombre como el centro del universo y no Dios, tal ciclo de eterna comunión que viene dándose desde los griegos se repite aún en obras como Las Brujas de Salem, de Arthur Miller. Donde ya no es Dios, ni la religión si quiera, quien intercede ni es quien se come a sus hijos, sino mas bien una sociedad madre, donde todos son trabajadores y comulgan juntos, que se come a sus hijos mediante la envidia y la cortina de excusas que crea el cristianismo durante la época. Donde es irreconocible la salida correcta y solo es posible salvar al pueblo cuando la sociedad, el pueblo mismo, encuentra a Jhon Proctor culpable de todos los males que asechan en Salem.

Aún más irónico es el hecho de que la sociedad, el Crono de nuestros días, aún se come a los seres humanos, sin distinción de ningún tipo, haciéndonos seres incapaces de tomar decisiones fuera de los parámetros de la cultura, del entorno, porque es la única forma de ser parte de ella. Así como Crono debía comerse a sus hijos porque eran parte de él, así como este debía destituir a Urano de quién él mismo era parte.